其次鏡頭與剪輯都符合觀衆對主流電影的觀影習慣，速度不快不慢，節奏一張一弛。
最大限度保證看得很輕鬆，忘記鏡頭安排而專注動作打鬥的內容，看完不累。
而且他的動作設計不太依賴其他的因素，比如桌椅雜耍、鏡頭瞎晃、威亞滿天飛……
就是規規矩矩的搏擊，都是在拳腳功夫本體上做文章。恰是這樣有板有眼的武指風格，才能夠更好地加載到其他主題的電影上去。
就好比一個性格隨和的木匠師傅，你要他造什麼東西他就造什麼東西，讓他造什麼樣他就造什麼樣，沒有自己的所謂秉持或怪癖，所以大家都愛找他。
再說的裝逼點就是：
上善若水，水利萬物而不爭。
這就是爲什麼程龍甄子單隻能拍自己的電影，而袁八爺能拍所有人的電影。
他們只能拍專門打架的片子，再糊弄個主題對付一下。而袁八爺能夠拍文藝片，拍漫畫片，拍科幻片，拍哲思片，拍主旋律，拍央視四大名著，拍B級片……
他沒有自己的招牌，沒有所謂一代宗師，只是個匠人，而正是這樣勿以有己的專注成就動作設計真正的大宗師。
曾經臭脾氣跟脾氣臭鬧翻後，請八爺來救駕，也能二話不說的來拍，照樣拍得有模有樣，還能與之前洪金寶的風格接得上。
只一個抽象的特點：確保觀衆能看清楚每一拳每一腳的原因，確定一個你一拳我一腳的攻防互動的鏈條。
除此之外，你想搞成什麼風格都隨便。可以很快很凌厲如殺死比爾，也可以很慢很唯美如夜宴，可以很誇張飛到天上房塌地陷如功夫，也可以細針密織地在那幹打如臥虎藏龍和黑客帝國……
論硬本事，港島武行誰都不比誰差，畢竟混了幾十年。差別在於各自的審美訴求不同，才導致客觀上的結果。
就好比抽象畫和寫實畫，基本功都一樣，但最有市場的往往是偏寫實、又稍帶點渲染力的作品。
丁誠總結袁和平的動作戲，就六個字：
看得懂，
看得爽！
所謂看得懂，用的招數與攻擊的要害，比如撇指頭等反關節用力，攻擊腋下、腰部等最軟的部位……
力度大小，摔飛的方向，都是人類最基本的共識，能產生共鳴。
觀衆能理解，能相信，才能移情，能帶入。
看得爽是每場動作戲都是一條精準反映動作、又生動渲染動作的鏡頭流。鏡頭與剪輯，以最大限度地讓觀衆看明白動作與動作邏輯爲準。
同時又在此基礎上有渲染與誇張，讓觀衆看得過癮，看得起勁。
用喜聞樂見的動作要素，重點在重新組合。也就是說用主流故事片敘事模式在動作戲上的反映。
流暢因果鏈條，清楚讓你看到。速度不快不慢，內容不多不少。反覆轉換攻防，雙向拉鋸力道。過程含金量高，生活常見各招。鏡語平實生動，絕不胡亂花哨。
最後產生的結果是，觀衆會追隨打鬥一方，在遭遇對手每一招時，跟着角色想該怎麼辦？
《霍元甲》裡李成傑被比強壯數倍的大力士鎖住雙臂抱起，動彈不得，節奏在此處有一個懸停，他在用力掙扎……
觀衆跟着他的處境一起在想該怎麼辦，後來用手摳進大力士的肋骨，敵人疼得被迫鬆開，所有人才鬆口氣。
他是浪漫與真實的調和，浪漫是延長真實，是誇張，能填補人們對無趣現實的遺憾，觀影是一次心理狂歡。
而如果把握不好尺度，就會劍走偏鋒，使觀衆從心甘情願地被欺騙中抽離出來，因爲太假與太真都會讓觀衆覺得煩。
癡迷於誇張風格的觀衆在少數，癡迷於武打寫實的觀衆也在少數，迷戀於某種特定風格的觀衆也在少數。
所以不走極端、中規中矩的袁氏動作片迎合絕大多數觀衆的審美。
更讓自己欣賞的是，拒絕用打鬥外的東西組織內容，幾乎不依賴戲劇情節、特定文化，以及某種美學風格。
專注於搏鬥的分內之事，儘量保持打鬥的純粹。發掘動作本身細節之美，把競擊本身拍得有章有法，獨具天地。
人物一經交手就是長時間惡戰，場景封閉，動作連貫，所有的動作元素必須參與攻防。
舞蹈和雜技色彩的動作就算出現在他的動作戲中，也絕對不再是它們本身，而被拆分成一個個因素，成爲打鬥鏈條中的必要動作。
這種緊扣武打分內之事的動作設計，才能隨意嫁接到別的電影中。任何風格與它結合都不會生硬，不會與它本來的什麼“鮮明風格”相牴觸。
科幻題材就飛得高些，cult片就多噴點血、摔打得猛一些，漫畫喜劇題材就讓動作簡單誇張一些，古典武俠片就讓動作飽和豐富一點，想要唯美的就讓節奏慢些柔和。
程小東向寫實的迴歸，元奎在好萊塢拍的幾部片、甄子單的葉問系列與他的不謀而合……
本身充分證明觀衆對武術電影的天然訴求！
在電影大工業的今天，越來越嫺熟，越來越有創意的電影語言，並不能取代功夫動作本身，老外對咱們功夫的迷戀一定是對真功夫迷戀，
因爲他們不懂所謂的武俠文化，也見多了諧趣雜耍，特效更不用說。
最後只有邏輯性和線性敘事纔是王道，能夠填平文化差異的也有人類對於搏鬥實戰的共通經驗。
拳拳到肉，
刀刀見血，
一招一式，
真實感！